Die Freiheit des Ungewissen

Es gehört zu den merkwürdigen Widersprüchen unserer Kultur, dass wir die Freiheit der Kunst beschwören und zugleich die Unsicherheit ihrer Entstehung beinahe ehrfürchtig verklären. Als wäre das Ungewisse nicht nur eine Bedingung schöpferischer Erkenntnis, sondern auch eine ökonomische Tugend. Als ließe sich die Radikalität eines Gedankens an der Fragilität jener Existenz ablesen, die ihn hervorgebracht hat.

Dabei liegt zwischen dem Risiko einer künstlerischen Entscheidung und der Prekarität eines Lebens eine ganze Welt. Ein Werk kann seine Form verlieren, eine Überzeugung erschüttern, einen vertrauten Begriff von Schönheit zerstören. Darin liegt seine Möglichkeit, vielleicht sogar seine Notwendigkeit. Doch dass der Mensch, der dieses Werk hervorbringt, um die nächste Miete fürchten muss, verleiht ihm weder Tiefe noch Wahrhaftigkeit. Die Armut ist keine Muse. Sie ist, häufiger als uns lieb sein kann, die stille Zerstörerin jener Zeit, die Kunst benötigt, um über das bereits Bekannte hinauszugelangen.

Die Beiträge dieser Woche, vom 23. bis zum 30. Oktober, berühren auf unterschiedliche Weise diesen Zusammenhang. Sie führen von den Erwerbsrisiken freier künstlerischer Arbeit über die Verantwortung sammelnder Institutionen bis zur moralischen Erschütterung einer Theaterfigur und zur materiellen Gefährdung unseres kulturellen Gedächtnisses. Was zunächst wie eine Folge voneinander unabhängiger Themen erscheint, lässt sich als Ausdruck einer tieferen Frage lesen: Welche Sicherheiten braucht eine Gesellschaft, die sich die Freiheit erhalten will, an ihren eigenen Gewissheiten zu zweifeln?

Wenn die Gewissheit ihre Unschuld verliert

In Suzie Millers „Inter alia“, dessen deutschsprachige Erstaufführung Anna Stiepani für den 31. Oktober am Düsseldorfer Schauspielhaus inszeniert, gerät eine Richterin in einen Konflikt, der weit über die persönliche Tragödie hinausweist. Ihre Überzeugungen treffen auf die Nähe zu ihrem beschuldigten Sohn. Was als moralische Ordnung Bestand hatte, solange es abstrakt blieb, muss sich plötzlich unter den Bedingungen einer existenziellen Verstrickung bewähren.

Unsere Vorschau fragt: „Wie viel Gewissheit verträgt die Bühne?“

Vielleicht liegt die eigentliche Zumutung des Theaters gerade darin, dass es uns die bequeme Entfernung zwischen Urteil und Leben nimmt. Solange Gerechtigkeit ein Prinzip ist, lässt sich ihr leicht zustimmen. Sobald sie das eigene Kind, die eigene Liebe, die eigene Geschichte berührt, verändert sich die Temperatur der Begriffe. Was eben noch selbstverständlich erschien, wird widersprüchlich, ohne deshalb seine Geltung einfach zu verlieren.

Kunst, die diesen Namen verdient, muss solche Widersprüche nicht auflösen. Sie darf uns in einem Zustand zurücklassen, in dem unsere moralischen Kategorien zwar nicht bedeutungslos geworden sind, aber ihre vermeintliche Unschuld verloren haben. Erkenntnis entsteht nicht immer dort, wo ein Urteil gefunden wird. Manchmal beginnt sie erst, wenn wir die Grenzen unserer Urteilsfähigkeit erfahren.

Gerade darin liegt ein künstlerisches Wagnis, das nichts mit materieller Schutzlosigkeit zu tun hat. Im Gegenteil: Wer um seine Existenz fürchten muss, wird sich nicht zwangsläufig mutiger verhalten. Die Not kann erfinderisch machen, aber ebenso zur Wiederholung des Bewährten zwingen. Wo jeder Misserfolg zur persönlichen Katastrophe werden kann, erhält das Erwartbare einen ökonomischen Vorsprung. Ausgerechnet eine Kultur, die das Neue verlangt, könnte auf diese Weise dessen Entstehung verhindern.

Unser Beitrag „Zwischen zwei Aufträgen: Wer trägt das Erwerbsrisiko freier Kunst?“ führt deshalb an einen empfindlichen Punkt kulturpolitischer Verantwortung. Die entscheidende Frage lautet nicht allein, welche Kunst wir ermöglichen wollen, sondern wer überhaupt in der Lage ist, das Risiko ihrer Entstehung auf sich zu nehmen.

Denn eine Gesellschaft, die künstlerische Freiheit an die Bereitschaft zum existenziellen Verzicht bindet, trifft bereits eine Auswahl. Sie begünstigt diejenigen, die über private Sicherheiten verfügen, und nennt das Ergebnis womöglich künstlerische Unabhängigkeit. So kann aus dem Versprechen kultureller Offenheit eine unsichtbare soziale Schranke werden.

Die Institution und ihr blinder Fleck

Doch Sicherheit besitzt ihrerseits eine eigentümliche Dialektik. Was Freiräume eröffnet, kann sie mit der Zeit auch verschließen. Institutionen entwickeln Gedächtnisse, aber ebenso Gewohnheiten. Sie bewahren Werke, Maßstäbe und Überlieferungen; manchmal bewahren sie dabei unbemerkt auch die Voraussetzungen jener Ausschlüsse, aus denen ihre Sammlungen und ihr Selbstverständnis hervorgegangen sind.

Die ALBERTINA und ihre Ausstellung „HER STORY“ berühren genau diese Spannung. Unser Beitrag „Künstlerinnen ausstellen – und dann anders sammeln?“ stellt eine Frage, die über eine einzelne Ausstellung hinausreicht. Denn die nachträgliche Sichtbarmachung übersehener künstlerischer Positionen ist noch nicht identisch mit einer Veränderung jener Mechanismen, die darüber entscheiden, was sichtbar wird und was dem Vergessen anheimfällt.

Jede Sammlung ist auch eine Geschichte der unterlassenen Entscheidungen. Was nicht erworben, nicht ausgestellt, nicht beschrieben wurde, verschwindet nicht unbedingt aus der Welt, wohl aber aus dem institutionell beglaubigten Bild ihrer Kultur. Der Kanon erscheint dann als Überlieferung des Bedeutenden, obwohl er immer auch ein Dokument historischer Machtverhältnisse, begrenzter Perspektiven und versäumter Möglichkeiten ist.

Eine lebendige Kulturinstitution müsste gerade aus ihrer Dauerhaftigkeit die Fähigkeit zur Selbstkorrektur gewinnen. Nicht jede Tradition verdient ihre Auflösung, und nicht jede Neuerung ist schon eine Erkenntnis. Aber die Autorität des Bewahrten darf nicht mit der Unfehlbarkeit seiner Auswahl verwechselt werden.

Darin liegt eine anspruchsvollere Vorstellung institutioneller Sicherheit: nicht die Garantie, unverändert fortzubestehen, sondern die Möglichkeit, sich zu verändern, ohne daran zugrunde zu gehen.

Das verlangt allerdings auch Rechenschaft. Öffentliche Förderung kann nicht von der Pflicht entbinden, Entscheidungen nachvollziehbar zu machen, Zugänge zu überprüfen und Macht zu begrenzen. Die Freiheit der Kunst bedeutet nicht die Freiheit ihrer Institutionen von Kritik. Zwischen politischer Einflussnahme auf künstlerische Inhalte und demokratischer Verantwortung für öffentliche Mittel besteht ein Unterschied, dessen sorgfältige Beachtung für beide Seiten unverzichtbar ist.

Was wir schützen – und was offenbleiben muss

Beim Schutz unseres kulturellen Erbes scheint die Sache zunächst einfacher. Wenn Museen, Archive und andere Kultureinrichtungen Notfallverbünde bilden, um auf Katastrophen vorbereitet zu sein, dann ist Unsicherheit kein Wert, den es zu verteidigen gilt. Feuer, Wasser und Zerstörung besitzen keine ästhetische Unschuld. Ein verlorenes Werk wird nicht dadurch bedeutender, dass sein Verlust vermeidbar gewesen wäre.

Hier bedeutet Verantwortung, dem Zufall so wenig Macht wie möglich einzuräumen. Kulturgüter benötigen Schutzräume, Dokumentation, verlässliche Kooperationen und jene unspektakuläre organisatorische Sorgfalt, ohne die Jahrhunderte menschlicher Erfahrung innerhalb weniger Stunden ausgelöscht werden können.

Und dennoch wäre es ein folgenreicher Irrtum, aus der notwendigen Sicherheit der Dinge eine Forderung nach der Sicherheit ihrer Bedeutungen abzuleiten.

Wir bewahren Kunst nicht, damit sie uns auf ewig dasselbe sagt. Das kulturelle Gedächtnis ist kein versiegeltes Archiv abgeschlossener Wahrheiten. Seine eigentliche Lebendigkeit besteht darin, dass überlieferte Werke in jeder Gegenwart neue Fragen hervorrufen können, dass ihre Bedeutung sich verschiebt, dass sie uns fremd werden und gerade in dieser Fremdheit erneut etwas zu erkennen geben.

Vielleicht lässt sich daran der Unterschied zwischen dem Bewahren und dem Erstarren ablesen. Das eine schützt die Möglichkeit zukünftiger Begegnungen. Das andere versucht, deren Ausgang bereits festzulegen.

Eine verantwortliche Kulturpolitik müsste beides auseinanderhalten können. Sie sollte die materiellen und institutionellen Voraussetzungen künstlerischer Arbeit stärken, ohne deren innere Bewegung zu verwalten. Sie darf fragen, wie Mittel eingesetzt, Entscheidungen getroffen und Freiräume zugänglich gemacht werden. Sie sollte aber der Versuchung widerstehen, künstlerische Bedeutung an vorhersehbaren Wirkungen, gesellschaftlicher Zustimmung oder kurzfristiger Verwertbarkeit zu messen.

Denn Kunst ist kein Verfahren zur Bestätigung dessen, was eine Gesellschaft bereits über sich weiß. Sie ist eine jener seltenen menschlichen Tätigkeiten, in denen das Noch-nicht-Gedachte eine Form gewinnen kann, ohne zuvor seinen Nutzen beweisen zu müssen.

Dafür braucht es weder die Verherrlichung des Mangels noch die Illusion vollständiger Absicherung. Es braucht eine Kultur der Verantwortung, die Verletzlichkeit nicht mit schöpferischer Freiheit verwechselt und institutionelle Stabilität nicht zum Vorwand geistiger Unbeweglichkeit macht.

Die eigentliche Größe einer kulturell offenen Gesellschaft zeigt sich vielleicht nicht darin, wie entschieden sie ihre Überzeugungen verteidigt, sondern darin, wie viel Ungewissheit sie auszuhalten vermag, ohne den Menschen, die sie hervorbringen, den Boden unter den Füßen zu entziehen.

Wir sollten nicht die Kunst vor dem Risiko schützen. Wir sollten verhindern, dass der Preis ihres Wagnisses die Freiheit zerstört, aus der sie entsteht.